Klimts Blumenbilder: Der komplette Guide zu seinen floralen Meisterwerken

Klimt jenseits von »Der Kuss«: Warum seine Blumenbilder Ihre Aufmerksamkeit verdienen

Fragt man nach einem Klimt, fallen fast immer Der Kuss, vielleicht noch Adele Bloch-Bauer. Kaum je hört man Bauerngarten, oder Rosen unter den Bäumen – oder eines der dichten, geradezu überschäumenden Blumenbilder, die fast ein Viertel seines Werks ausmachen. Das ist bemerkenswert, denn gerade in diesen Floralgemälden erreicht Klimts Sinn für Muster und Farbe seine hypnotischste Form.

Von seinen rund 230 erhaltenen Arbeiten entfällt ein erheblicher Teil auf Landschaften und Gärten, die meisten entstanden während seiner Sommeraufenthalte am Attersee in Oberösterreich. Sie sind leiser als die goldenen Porträts, weniger berühmt – und an der Wand deutlich einfacher zu leben.

Die Blumengarten-Bilder: dicht, dekorativ und absolut fesselnd

Klimts Gärten sind keine Landschaften im klassischen Sinn. Es gibt keinen Horizont, keine Perspektive, keinen Tiefenraum, der das Auge zu einem Fluchtpunkt zieht. Stattdessen wird die Leinwand zur senkrechten Wand aus Blüten – Kunsthistoriker sprechen vom Effekt eines „gemalten Teppichs“.

Flower Garden (1906), heute in Privatbesitz, ist eines der frühesten Beispiele. Entstanden auf dem Gut Litzlberg am Attersee, verzichtet das Bild fast vollständig auf Himmel und Boden. Man blickt auf ein Tapisserie-Feld aus Mohn, Margeriten, Zinnien und Rosen, flach an die Bildfläche gepresst – mit derselben Flachheit, die Klimt zeitgleich in den Goldgründen seiner Porträts suchte.

Bauerngarten (Cottage Garden), 1907, ist das berühmteste der Gruppe – aus gutem Grund. 2017 erzielte es bei Sotheby’s 48 Millionen Pfund, der dritthöchste Preis, der je für einen Klimt bezahlt wurde. Die Komposition ist eine enge Pyramide aus roten Mohnblumen, weißen Margeriten und blauen Kornblumen, die durchs Bild emporwächst. Das Rot-Grün der Töne steht in vibrierender Opposition – man spürt es besonders aus der Nähe.

Cottage Garden with Sunflowers (1907) arbeitet ähnlich, setzt aber hoch aufragende Sonnenblumen als tragende Achse. Die Blüten werden beinahe architektonisch, fast figürlich – sie lehnen sich aneinander wie eine stille Menschenmenge.

Gemeinsam ist diesen Werken Klimts Methode. Er trug angeblich einen kleinen quadratischen Papp-Sucher bei sich, hielt ihn vor den Garten und schnitt seine Komposition damit zu. Darum sind so viele dieser Bilder perfekte Quadrate. Es sind keine „gefundenen“ Landschaften – es sind ausgewählte Muster.

Klimts Sonnenblumen: Im Vergleich zu Van Gogh

Im Januar 1906 zeigte die Galerie Miethke in Wien eine Van-Gogh-Ausstellung. Klimt war mit ziemlicher Sicherheit dort. Binnen 18 Monaten lockerte sich sein Duktus, die Farbschichten wurden pastoser – und Sonnenblumen tauchten in seinen Bildern auf.

Die beiden Maler begegneten sich nie. Van Gogh starb 1890, als Klimt noch akademische Allegorien malte. Aber der Einfluss ist unübersehbar – und es lohnt, genau hinzusehen, was sich veränderte.

Die Sonnenblume (1907) ist Klimts berühmtestes Floralgemälde und seine direkteste Reaktion auf Van Gogh. Der wichtigste Unterschied: Van Gogh malte Sonnenblumen in Vasen – als Stillleben, geschnitten und arrangiert. Klimt malte seine Sonnenblume in situ, im Garten, auf dem Stängel stehend, die Blätter wie Röcke ausgebreitet. Mehrere Forscher haben die Ähnlichkeit des Bildes mit seinen Porträts von Emilie Flöge, seiner lebenslangen Gefährtin, betont. Die Sonnenblume steht allein, drapiert, fast anthropomorph. Ein Porträt, getarnt als botanische Studie.

Wo Van Goghs Sonnenblumen mit Impasto und Gelb-auf-Gelb-Spannung knistern, ruht Klimts Sonnenblume in einem Meer aus kontrastierenden Grüntönen und kleinteiliger Bodenflora. Van Gogh wollte Hitze. Klimt wollte Ornament.

Farm Garden with Sunflowers (1913) nimmt dasselbe Motiv und sprengt es zu einem Feld konkurrierender Blüten auf – die Sonnenblumen jetzt Teil eines Chors statt Solistin. Wer sehen will, wie weit Klimt sich von seinen Goldgründen entfernt hat, vergleiche dieses Bild mit Adele Bloch-Bauer I, nur sechs Jahre früher. Der dekorative Impuls ist identisch. Das Vokabular hat sich komplett von Metall zu Fleisch und Chlorophyll verschoben.

Mehr zu dieser Werkphase finden Sie in unserer Kollektion Gustav-Klimt-Kunstdrucke, die sowohl die goldenen Porträts als auch die floralen Arbeiten abdeckt.

Die Bauerngarten-Serie: Klimts vielschichtigste Floralarbeiten

Klimt kehrte immer wieder zum Motiv des Bauerngartens zurück – mit mindestens zwei Hauptfassungen und mehreren verwandten Werken. Das sind seine komplexesten Floralkompositionen: vielschichtig, mit zahlreichen Arten, und aufgebaut fast wie mittelalterliche Tapisserien.

Farm Garden (1907), mitunter auch Bauerngarten mit Sonnenblumen genannt, ist die früheste Version. Dreieckskomposition, Sonnenblumen an der Spitze, darunter ein ausgelassenes Gewimmel aus Mohn, Margeriten und Rosen. Das Auge findet keinen Ruhepunkt – genau so wollte es Klimt. Sättigung war das Ziel.

Farm Garden with Sunflowers (1913) ist die impressionistischere Fassung, sechs Jahre später entstanden. Der Pinselduktus ist lockerer, die Grenzen zwischen den Blüten verwischen, Van Goghs Einfluss sitzt nun nicht mehr frisch, sondern im Muskelgedächtnis.

Mohnfeld (1907) reduziert dasselbe Garten-Vokabular auf eine dominante Art: rote Mohnblumen, die über einer grünen Fläche schweben. Es ist das grafischste seiner Blumenbilder und am leichtesten als reines Muster zu lesen. Von allen Floralgemälden übersetzt sich dieses am saubersten in moderne Interieurs.

Wiesen, Felder und Landschaften: Klimts stille botanische Seite

Nicht alle Blumenarbeiten Klimts sind hochgradig dicht und laut. Mehrere Attersee-Landschaften integrieren Blüten in eine weitere Umgebung – ein guter Gegenpol, falls die Bauerngärten für Ihren Raum zu intensiv sind.

Rosen unter den Bäumen (1905) ist die beliebteste darunter. Heute im Musée d’Orsay in Paris, zeigt das Bild einen einzigen Baum, dicht bedeckt mit rosa und weißen Blüten, vor einer dunkleren Wiese aus kleinen Blühpflanzen. Die Komposition ist nahezu kreisförmig, der Baum bildet eine weiche Farbkugel. Leiser als der Bauerngarten, kontemplativer – und ideal für Räume, in denen die Kunst nicht dominieren soll.

Mohnfeld (ebenfalls 1907) steht zwischen den Modi – dichter als Rosen unter den Bäumen, offener als Bauerngarten.

Gartenweg mit Hühnern (1916) ist ein tragischer Schlussakkord. Das Bild zeigte einen blumen-gesäumten Pfad mit Hennen im Vordergrund und galt als eines seiner besten späten Werke. Es wurde 1945 bei der Brandstiftung des Schlosses Immendorf durch abziehende SS-Einheiten zerstört – zusammen mit mehreren anderen Klimt-Gemälden. Erhalten ist es nur auf Fotografien.

Diese späteren, landschaftsnäheren Arbeiten zeigen, wie Klimt seinen Griff auf das Muster lockert und impressionistische Anliegen von Licht und Atmosphäre hereinlässt.

Blumensymbolik bei Klimt: Was die Blüten wirklich bedeuten

Viele Texte zu Klimts Blumenbildern bleiben beim Wort „dekorativ“ stehen. Schade – denn die Symbolik dieser Werkgruppe ist vielschichtig und persönlich.

Natur als Flucht vor Erotik. Klimts Porträtaufträge und Allegorien waren emotional und erotisch aufgeladen. Die Blumenbilder entstanden im Sommer, fern von Wien, fern von Auftraggebern – oft in Gesellschaft von Emilie Flöge. Sie waren Auszeiten, und sie sehen auch so aus. Keine Figuren, keine Allegorien, keine Judith, keine Danaë. Nur Pflanzen, die sich wie Pflanzen verhalten.

Die Flöge-Verbindung. Die Sonnenblume und andere vertikale Floralarbeiten werden von mehreren Forschern als „verlagerte Porträts“ von Emilie gelesen. Sie trug locker fallende Reformkleider – Silhouetten, die Klimts Sonnenblumen spiegeln. Ob bewusst oder nicht, die visuelle Reimstruktur ist auffällig.

Quadratformat und Ideale der Wiener Secession. Klimt war Mitbegründer der Wiener Secession, die die Einheit von Bildender und Angewandter Kunst propagierte. Quadratformat, flache Bildfläche, mosaikartige Anordnung der Blütenköpfe – das sind Moves der dekorativen Künste, in die Tafelmalerei hinein verlegt. Die Blumenbilder sind Secessions-Ideologie in Pigment.

Rot-Grün-Opposition. Klimt setzt Komplementärspannung in seinen Floralgemälden permanent ein: rote Mohnblumen gegen grünes Blattwerk, rosa Rosen gegen dunkle Blätter. Das Auge liest das als Vibration – einer der Gründe, warum seine Gärten so lebendig wirken, obwohl sich in ihnen nichts bewegt.

Wenn Sie die Ästhetik der Secession allgemein reizt, finden Sie in unserer Kollektion Jugendstil-Kunstdrucke die Bewegung, die Klimt maßgeblich prägte.

Welches Klimt-Blumenbild als Druck am besten an Ihrer Wand wirkt

Hier beziehen wir Stellung – die meisten Artikel tun das nicht.

Für die Statement-Wand im Wohn- oder Esszimmer: Bauerngarten (1907). Die pyramidenförmige Komposition hält große Flächen zusammen, ohne chaotisch zu wirken. Das Rot-Grün spielt großartig mit warmen Neutraltönen, Holz sowie Salbei- oder Olivwänden. Unser Tipp: groß gehen, 70 x 100 cm gerahmt, als Solist statt in der Bilderwand.

Für Schlafzimmer und ruhige Räume: Rosen unter den Bäumen. Das sanfte Rosa-Grün, die beinahe runde Komposition und die geringere visuelle Dichte wirken beruhigend. Passt ideal zu Leinen, Eiche und gedeckten Tönen.

Für moderne, grafische Interieurs: Mohnfeld. Der Klimt für alle, die meinen, sie mögen keinen Klimt. Die Komposition liest sich fast wie ein Rapport und fügt sich selbstverständlich zu zeitgenössischer Kunst und klaren Linien.

Für Küche, Flur oder kleinere Wände: Die Sonnenblume. Das Hochformat liebt schmale Wände. Das Einzelmotiv liest sich klar auch aus der Distanz.

Für den Maximalismus: Farm Garden with Sunflowers (1913). Die lockerere, dichtere Komposition belohnt Nahsicht und verträgt sich bestens mit gemusterten Textilien und lagenreichen Interieurs.

Ein praktischer Hinweis zum Format: Viele von Klimts Blumenbildern sind perfekte Quadrate – im Druckformat ungewohnt und auf Standardwänden manchmal schwerer zu platzieren. Die Sonnenblume und Farm Garden with Sunflowers sind hochformatig und passen sauber über Sofa, Bett und Konsole. Arbeiten Sie über einer langen horizontalen Fläche, sitzen Mohnfeld oder Rosen unter den Bäumen im Querformat meist harmonischer als ein Quadrat.

Stöbern Sie durch die ganze Auswahl in unserer Kollektion Klimt-Blumen-Kunstdrucke – oder entdecken Sie weitere florale Kunstdrucke, wenn Sie Klimt im Dialog mit anderen botanischen Motiven sehen möchten.

Wie unser Giclée-Druck Klimts Farbe und Detailtreue gerecht wird

Klimt ist einer der schwierigsten Künstler, wenn es um gute Reproduktionen geht – und viele Drucke liegen in vorhersehbarer Weise daneben. Rottöne kippen ins Bräunliche. Grüntöne werden zu einer einzigen Fläche. Die mosaikhaften Blütenköpfe verlieren ihre feine Differenzierung und verschwimmen.

Der Grund ist der Farbraum. Klimts Palette stößt oft in Sättigungsbereiche vor, die günstiger Vierfarbdruck schlicht nicht erreicht. Die Vibration zwischen Rot und Grün lebt davon, dass beide Farben in voller Intensität stehen – fällt eine ab, verliert das Bild seinen Puls.

Wir drucken auf starkem, mattem Papier mit musealer Giclée-Technik. Das größere Tintenset ermöglicht einen deutlich erweiterten Farbraum gegenüber Standarddruck. Auch das matte Finish ist hier entscheidend: Klimts Oberflächen sind im Original nicht glänzend – Satin- oder Glanzpapiere fügen einen Schimmer hinzu, den die Bilder nie hatten. Matt erhält die leicht kreidige, malerische Qualität seiner Floralarbeiten.

Gerahmt setzen wir auf massiv gefertigte, FSC-zertifizierte Holzrahmen mit UV-schützendem Acryl statt Glas. Acryl ist leichter, splittert nicht und – entscheidend – lässt den Druck auch bei direkter Sonne nicht ausbleichen. Da Klimts Blumenbilder häufig in hellen Räumen landen (weil sie dort am besten wirken), zählt das doppelt.

Worauf Sie beim Kauf eines Klimt-Drucks generell achten sollten – bei uns oder anderswo: Prüfen Sie das Papiergewicht. Dünnes Papier wellt sich und wirkt billig. Prüfen Sie die Rahmung. Separat gelieferte Prints sitzen im Rahmen oft schief, und Massenrahmungen bestehen häufig aus dünnem MDF, das binnen eines Jahres durchhängt. Prüfen Sie die Farbe. Wenn das Rot im Bauerngarten rosa wirkt oder die Grüntöne grau, wird das Original nicht gerecht.

Zum Schluss

Wenn Sie Klimt nur über Der Kuss kennen, sehen Sie vielleicht ein Zehntel des Künstlers. In den Blumenbildern entspannte er sich, experimentierte mit Komposition – ohne den Druck von Auftrag oder Allegorie – und brachte seinen Blick für Muster zur reinsten Form.

Beginnen Sie mit dem Bauerngarten, wenn Sie das volle Klimt-Erlebnis in einem Bild möchten. Beginnen Sie mit Rosen unter den Bäumen, wenn Sie etwas suchen, das sich leise über Jahre in Ihr Leben fügt. In jedem Fall: Hängen Sie den Druck so, dass Sie ihn in wechselndem Licht sehen – diese Bilder sind im Freien entstanden und wollen etwas von dieser Helligkeit zurück.