Wen malte Gustav Klimt wirklich? Die echten Personen hinter seinen berühmtesten Porträts

Gustav Klimt malte einige der bekanntesten Frauen der Kunstgeschichte, doch die meisten könnten keine einzige beim Namen nennen. Die in Gold und Ornament gehüllten Gesichter gehörten echten Menschen mit echten Biografien, Skandalen und Tragödien. Ihre Geschichten zu kennen, verändert das Gefühl, eines dieser Porträts an der eigenen Wand zu haben.

Adele Bloch-Bauer: die Frau, die zweimal gemalt wurde (und von den Nazis geraubt)

Adele Bloch-Bauer ist die einzige Person, die Klimt je zweimal porträtierte. Sie war die Ehefrau des Wiener Zuckerindustriellen Ferdinand Bloch-Bauer und führte einen der einflussreichsten literarisch-intellektuellen Salons der Stadt. Schriftsteller, Komponisten und Sozialisten trafen sich in ihrem Salon. Sie war 25, als Klimt mit dem ersten Bildnis begann. Er arbeitete drei Jahre daran und fertigte über 100 Vorzeichnungen an.

Schauen Sie in beiden Gemälden genau hin, und Sie bemerken, dass sie ihre Hände immer in einer ungewöhnlichen, ineinander verschränkten Haltung hält. Der Überlieferung nach war sie wegen eines verunstalteten Fingers unsicher und bat Klimt, ihn zu verbergen. Dieses kleine, menschliche Detail lässt das Blattgold plötzlich intim wirken.

Ob sie Liebhaber waren, gehört zu den langlebigsten Debatten der Kunstgeschichte. Die Hinweise sind indirekt: die obsessive Rückkehr zu ihrem Gesicht, die ungewöhnliche Entscheidung, sie zweimal zu malen, und die Tatsache, dass sie (höchstwahrscheinlich) auch für seine Judith I Modell stand. Ihr Mann scheint gewusst und toleriert zu haben, was immer diese Beziehung war. Adele starb mit 43 an Meningitis und hinterließ die Anweisung, die Porträts sollten eines Tages an das Belvedere in Wien gehen.

Dazu kam es nie. Nach dem „Anschluss“ 1938 beschlagnahmten die Nazis die Sammlung der Bloch-Bauers. Das erste Porträt wurde in „Die Frau in Gold“ umbenannt, um ihre jüdische Identität aus dem Bild zu tilgen. Es hing jahrzehntelang im Belvedere. Nach einem langen Rechtsstreit, den Adeles Nichte Maria Altmann führte, wurde das Gemälde 2006 der Familie zurückgegeben und für 135 Millionen US-Dollar an Ronald Lauder verkauft. Heute hängt es in der Neuen Galerie in New York. Das zweite Porträt wurde kurz darauf bei einer Auktion für 87,9 Millionen US-Dollar verkauft.

Emilie Flöge: Klimts Lebensgefährtin und kreative Partnerin auf Augenhöhe

Wenn jemand Anspruch auf Klimts Herz hat, dann Emilie Flöge. Sie lernten sich kennen, als sie 17 und er 29 war, und ihre Beziehung hielt 27 Jahre, bis zu seinem Tod. Er schrieb ihr über 400 Briefe und Postkarten. Seine letzten Worte, nachdem er 1918 einen Schlaganfall erlitten hatte, sollen gewesen sein: „Holt Emilie.“

Und doch gibt es keinen überzeugenden Beleg dafür, dass sie je körperlich miteinander verbunden waren. Klimt zeugte mindestens 14 Kinder mit verschiedenen Arbeiterinnen und Modellen – keines mit ihr. Ihre Bindung scheint etwas Selteneres gewesen zu sein: eine echte kreative Partnerschaft zwischen zwei Menschen, die sich den ordentlichen Wiener Kategorien für Beziehungen entzogen.

Emilie war keine Muse im passiven Sinn. Sie betrieb gemeinsam mit ihren Schwestern den Salon Schwestern Flöge und entwarf Reformkleider, die die geschnürten Silhouetten der Zeit zurückwiesen. Die weiten, bestickten Gewänder, die Sie in manchen Klimt-Gemälden sehen, sind ihre Arbeit. Sie fotografierte die Entwürfe in den Gärten ihres Sommerhauses am Attersee, oft mit Klimt im Hintergrund in seinem Malerkittel.

Als Klimt starb, hinterließ er kein Testament. Emilie erbte neben seiner Familie die Hälfte seines Nachlasses. In ihrer Wohnung bewahrte sie ein „Klimt-Zimmer“ mit seinen Zeichnungen und persönlichen Dingen, bis 1945 alliierte Bombardements und sowjetische Plünderungen fast alles zerstörten. Das berühmte Gemälde von ihr, das Porträt Emilie Flöge von 1902, ist im Wien Museum erhalten. Angeblich mochte sie es nicht. Sie sagte, es sehe ihr nicht ähnlich.

Judith: biblische Heldin oder Wiener Society-Dame?

Judith I, gemalt 1901, gilt offiziell als Darstellung der biblischen Heldin, die den assyrischen Feldherrn Holofernes verführte und enthauptete, um ihr Volk zu retten. Offiziell. Blickt man auf das Bild, zerfällt der religiöse Rahmen fast sofort.

Die Frau ist halb entkleidet, die Lippen leicht geöffnet, die Lider schwer – irgendwo zwischen Ekstase und Triumph. Das abgeschlagene Haupt ist in die untere Ecke gedrängt, fast ein Nachgedanke. Das ist keine Frömmigkeit. Das ist ein Porträt der Begierde, in heilige Schrift gekleidet.

Und das Gesicht ist fast sicher das von Adele Bloch-Bauer. Derselbe lange Hals, dasselbe dunkle Haar, derselbe aufwendige Goldhalsreif, den sie auch in ihrem offiziellen Porträt trägt. Dieser Halsreif ist wichtig. Er gehörte (so heißt es) Ferdinand Bloch-Bauer, ein Geschenk an seine Frau – und nun sitzt er an einer biblischen Verführerin, die ein abgeschlagenes Haupt hält. Wollte man eine Affäre andeuten, ohne sie wirklich zu bestätigen, ginge es kaum besser.

Das Gemälde löste bei seiner ersten Ausstellung einen kleinen Skandal aus. Viele nannten es „Salome“, weil die Erotik nicht zu ihrem Judith-Bild passte. Klimt beharrte auf dem ursprünglichen Titel. Er setzte ein Zeichen.

Die Unbenannten: Klimts rätselhafte späte Porträts

Die berühmten Porträts, die mit Namen verbunden sind, erzählen nur einen Teil der Geschichte. Klimt malte auch Dutzende Frauen, deren Identitäten vollständig aus dem historischen Gedächtnis gefallen sind. Einige wurden in Auftrag gegeben und nie abgeholt. Andere wurden begonnen und abgebrochen. Ein paar existieren nur als Vorzeichnisse von Gesichtern, die bis heute niemand einem Namen zuordnen konnte.

Darin steckt eine Klassengeschichte. Die wohlhabenden Frauen – die Bloch-Bauers, die Lederers, die Primavesis und die Wittgensteins – zahlten enorme Summen für ihre Porträts. Ein offizieller Klimt-Auftrag konnte 10.000 Kronen kosten, zu einer Zeit, als ein Wiener Lehrer rund 1.200 Kronen im Jahr verdiente. Ihre Namen sind bewahrt, weil ihre Familien Archive, Anwälte und schließlich Restitutionsansprüche hatten.

Die Arbeiterinnen und Modelle, mit denen Klimt schlief und die er obsessiv skizzierte – die Frauen, die in seinen Aktzeichnungen mit roter Kreide zu Hunderten auftauchen –, bleiben meist anonym. Mit mehreren von ihnen hatte er Kinder. Keines dieser Kinder wurde zu seinen Lebzeiten in irgendeiner formellen Weise anerkannt. Der Unterschied zwischen jenen, die mit Blattgold verewigt wurden, und jenen, die in einer schnellen Skizze weiterleben, sagt viel über das Wien von 1905.

Seine späteren Porträts, gemalt, nachdem er um 1909 das Blattgold hinter sich ließ, sind freier, farbiger – und häufig von Frauen, die wir kaum noch identifizieren können. Die Muster explodieren zu Blumen, Fächern und asiatischen Motiven. Die Gesichter tauchen aus dem Chaos auf. Einige dieser Gemälde finden Sie in unserer Kollektion der Gustav-Klimt-Porträts als leise Gegenstücke zu den berühmten Goldstücken – und oft sind es genau diese, mit denen Menschen am längsten leben. Sie schreien nicht. Sie offenbaren sich langsam.

Bildnis einer Dame: das Gemälde, das ein anderes verbirgt

Die seltsamste Geschichte in Klimts Porträtkatalog gehört dem Bildnis einer Dame, gemalt um 1916–1917. Wir wissen nicht, wer sie war. Vielleicht werden wir es nie erfahren.

1996 untersuchte eine italienische Studentin das Gemälde mit Röntgenaufnahmen und entdeckte etwas Außergewöhnliches. Unter dem sichtbaren Porträt lag ein weiteres – von einer anderen Frau –, das Klimt übermalt hatte. Die gängige Theorie lautet, dass die ursprüngliche Sitzende jung starb und Klimt, erschüttert, die Leinwand zu einem neuen Gesicht umarbeitete, statt sie aufzugeben oder als Memorial zu verkaufen. Wer beide Frauen waren, weiß bis heute niemand.

Ein Jahr später, im Februar 1997, wurde das Gemälde aus der Galleria Ricci Oddi in Piacenza, Italien, gestohlen. Die Diebe hoben es offenbar durch ein Oberlicht hinaus. Es verschwand für 22 Jahre. Der Fall wurde zu einem der großen unaufgeklärten Kunstdelikte des späten 20. Jahrhunderts.

Im Dezember 2019 bemerkte ein Gärtner, der Efeu an der Außenwand derselben Galerie schnitt, eine Metallklappe im Mauerwerk. Dahinter lag ein schwarzer Müllsack. In dem Sack: Klimts Bildnis einer Dame, in bemerkenswert gutem Zustand. Offenbar war das Gemälde in der Wand der Galerie versteckt, aus der es gestohlen worden war – jahrelang, vielleicht jahrzehntelang. Zwei Männer behaupteten später, sie hätten es aus Jux entwendet und wieder in die Wand zurückgebracht. Die ganze Geschichte wurde nie bestätigt.

Das Gemälde ist in Piacenza wieder zu sehen. Wir kennen ihren Namen noch immer nicht. Und auch nicht den der Frau darunter. Wenn Sie sich zu Klimt-Porträts hingezogen fühlen, ist dies dasjenige mit den meisten offenen Fragen – und genau das macht seine leise Faszination aus.

Wie die Geschichte den Blick auf die Kunst an Ihrer Wand verändert

Hier wird es praktisch. Es ist ein Unterschied, ob man „einen Klimt“ aufhängt oder ein Porträt von Adele Bloch-Bauer – mit Salon, Affärengerüchten, NS-Raub, 135 Millionen US-Dollar und dem vernarbten Finger, den sie zu verbergen suchte. Das Bild bleibt dasselbe. Ihre Beziehung dazu nicht.

Das zählt stärker, als viele beim Kunstkauf zugeben. Ein Druck an der Wand wird Teil der täglichen Textur Ihres Zuhauses. Sie sehen ihn jeden Morgen. Eine Zeit lang nimmt man ihn kaum mehr wahr. Dann fragt ein Gast danach oder das Licht fällt anders – und plötzlich schauen Sie wieder hin. Kunst mit Geschichte dahinter gibt Ihnen etwas, zu dem Sie zurückkehren können.

Das macht Klimt-Drucke auch zu ungewöhnlich guten Geschenken. Es gibt einen Grund, warum Menschen Bücher mit Widmungen schenken statt anonyme Objekte. Ein gerahmtes Porträt von Emilie Flöge, überreicht jemandem, der weiß, dass sie 1904 in Wien als selbstständige Modemacherin ihr eigenes Geschäft führte, wirkt ganz anders als „ein hübsches Bild einer Frau in Gold“. Wenn Sie aus unseren berühmten Kunst-Prints ein Geschenk auswählen, tragen die Klimt-Porträts mehr erzählerisches Gewicht als fast alles andere im Katalog.

Ein paar praktische Hinweise für das Leben mit diesen Stücken. Die Goldblatt-Gemälde (die erste Adele, Judith I, Der Kuss) brauchen gutes Licht, um zu wirken. Sie sind gemacht für Wärme, Kerzenlicht, Lampenlicht, spätnachmittägliche Sonne. Die Acrylglas-Verglasung unserer gerahmten Prints schützt selbst bei direktem Sonnenlicht vor dem Ausbleichen – wichtig, weil Klimts tiefe Rottöne und Ocker genau jene Farben sind, die bei minderwertigen Reproduktionen am stärksten unter UV-Strahlen leiden.

Die späteren, freieren Porträts – die mit Musterexplosionen und weicheren Gesichtern – fügen sich meist besser in belebte Räume. Sie haben genug innere Unruhe, um sich gegen gemusterte Tapeten, volle Bücherregale oder geschichtete Textilien zu behaupten. Die Porträts der Goldperiode bevorzugen ruhigere Wände. Ein gedecktes Salbeigrün, ein tiefes Marineblau, ein warmes Off-White. Gibt man ihnen Raum, füllen sie ihn aus.

Zur Größe: Die Komposition von Adele Bloch-Bauer ist fast quadratisch und wirkt über einem Sofa oder Sideboard ab 70 x 70 cm aufwärts. Die Hochformate (Emilie Flöge, Judith, Bildnis einer Dame) funktionieren mit 50 x 70 cm im Flur oder mit 70 x 100 cm als einzelnes Statement-Piece. Leinwand eignet sich gut für die freieren späten Porträts, wenn Sie Textur möchten; gerahmte Prints mit unseren massiven, FSC-zertifizierten Holzrahmen passen zu den Werken der Goldperiode, bei denen die Präzision der Linie zählt.

Wenn Sie tiefer in das Genre eintauchen möchten, deckt unsere größere Kollektion der Porträtkunst-Prints Gesichter aus der gesamten Kunstgeschichte ab – doch Klimt bleibt der seltene Maler, dessen Porträts zugleich Dekor und Biografie sind.

Die Frauen in diesen Gemälden waren keine Symbole und keine Typen. Es waren konkrete Menschen mit konkreten Leben, die jahrelang in einem Atelier in Wien saßen, während ein Mann mit Bart und Kittel versuchte, ihre Hände richtig zu treffen. Das macht die Bilder nicht „schöner“. Es macht es nur schwerer, wegzusehen.