Por qué Klimt pintó bosques: la historia de su etapa paisajista

Los escándalos vieneses que hicieron que Klimt anhelara el campo

Hacia 1900, Gustav Klimt era el pintor del que más se hablaba en Viena por razones que él no había elegido. Le habían encargado tres paneles de techo para el Aula Magna de la Universidad de Viena, obras alegóricas tituladas Philosophy, Medicine y Jurisprudence. Cuando las presentó entre 1900 y 1903, ochenta y siete profesores firmaron una petición exigiendo su retirada. Los críticos las tildaron de pornográficas. El Ministerio de Cultura se negó a exhibirlas.

Para un artista que había pasado sus primeros años como decorador a sueldo realizando encargos de interiores elegantes y respetables, el vapuleo público fue un shock. Klimt acabó devolviendo el dinero del Estado, recompró las pinturas y nunca más aceptó un encargo público. Algo en él se cerró. Otra cosa se abrió.

Esa otra cosa fue el bosque. A partir de 1900, Klimt empezó a pasar largos veranos en el lago Attersee, en la región austriaca de Salzkammergut, y allí, lejos de la prensa y las peticiones, produjo un conjunto de obras que poca gente asocia con su nombre. Si solo conoces los retratos dorados, sus paisajes parecerán obra de un artista completamente distinto. No lo son. Es el mismo artista, respirando hondo.

El lago Attersee: donde nacieron los bosques

Klimt pasó casi todos los veranos entre 1900 y 1916 en la orilla occidental del Attersee, la mayoría con su compañera de vida, Emilie Flöge. La rutina era rigurosa y nada glamurosa. Se despertaba antes de las seis, caminaba por los bosques y prados que rodean el lago, salía a remar y pintaba al aire libre con una bata que a los lugareños les resultaba tan curiosa que le apodaron el Waldschrat, el “demonio del bosque”. A él le gustaba el apodo.

Aquellos veranos no fueron un proyecto menor. De unas 230 pinturas de Klimt que se conservan, alrededor de 55 son paisajes, casi todas realizadas en Attersee. Las producía en ráfagas concentradas durante los meses de vacaciones; luego volvía a Viena en otoño y regresaba a las figuras y al oro. Los bosques eran su práctica privada. También eran, cada vez más, su trabajo más experimental.

La relación con Flöge fue clave. Ella dirigía una exitosa casa de moda en Viena y fue la persona más cercana a él durante casi treinta años. Los veranos en Attersee eran una vida compartida, no solo un retiro de trabajo, y la calma de esas pinturas tiene mucho que ver con la calma del lugar donde las creó.

Lo que Klimt tomó de los grabados japoneses y del puntillismo

La explicación habitual sobre los paisajes de Klimt es que estuvieron influidos por el Impresionismo y el puntillismo. Es cierto, pero también engañoso. A Klimt no le interesaba lo que interesaba a Monet. No le preocupaba captar la luz fugaz, ni la mezcla óptica de colores complementarios, ni la hora del día. Le importaba el patrón.

De los grabados japoneses en madera que inundaron Viena a finales del siglo XIX tomó tres cosas muy concretas. Primero, la línea del horizonte muy alta o la eliminación total del cielo, que empuja todo hacia el plano pictórico. Segundo, el tratamiento de la superficie como un campo decorativo más que como una ventana ilusoria. Tercero, la disposición a encuadrar un motivo de forma inesperada, como si hubieras entrado de pronto en medio de la escena.

De los puntillistas tomó la pincelada punteada, sí, pero la utilizó como un diseñador textil usa un motivo repetido. Si miras de cerca el suelo de un bosque de Klimt verás miles de pequeños toques de color dispuestos menos como luz titilante y más como un bordado. Su primera carrera como artista decorador, creando murales y programas ornamentales para grandes edificios vieneses, nunca le abandonó del todo. Simplemente se trasladó a los árboles.

Una mirada cercana a Beech Forest I y Birch Forest

Beech Forest I (1902) es el cuadro que anuncia lo que estaba tramando. Estás de pie sobre una alfombra de hojas marrón anaranjado mirando un conjunto de delgados troncos verticales de haya. No hay cielo. No hay horizonte en el sentido habitual. Los árboles no se hacen más pequeños a medida que se alejan. La composición es casi un cuadrado, formato que prefirió durante su periodo paisajista.

El efecto resulta más extraño cuanto más miras. El ritmo de los troncos verticales es como un latido, regular y percusivo, mientras que el salpicado del suelo y el follaje moteado crean una textura densa y total. No hay un punto focal evidente. El cuadro se niega a decirte dónde mirar, y precisamente por eso te atrapa.

Birch Forest (1903) hace algo similar con troncos de corteza blanca sobre un suelo rojizo. Cuando este cuadro se vendió en subasta en 2022, alcanzó más de 104 millones de dólares, más del doble que en 2006. Los coleccionistas han entendido lo que hacen estas pinturas: algo más silencioso y, si se quiere, más radical que lo que intentaron jamás los retratos dorados.

Si quieres ver el conjunto de esta etapa reunido en un solo lugar, las Láminas de bosques de Klimt agrupan las obras clave del periodo.

Por qué Klimt aplanó la perspectiva y qué te hace sentir

Klimt utilizó dos herramientas para lograr la curiosa cercanía de sus bosques. La primera fue un telescopio, con el que miraba árboles lejanos y los comprimía visualmente en un único plano. La segunda fueron unos gemelos de teatro o un pequeño visor, que usaba como una cámara, encuadrando un fragmento del mundo e ignorando todo lo que quedaba fuera del rectángulo.

Ambas herramientas colapsan la profundidad. Cuando miras por un telescopio un abedul distante, el primer plano y el fondo se aplanan en un espacio único y poco profundo. Klimt pintó lo que veía a través de la lente, y por eso sus bosques se sienten más como tapices que como vistas. No estás mirando dentro del cuadro. Estás mirando a él.

Esto conecta con un concepto que a veces se aplica a su obra: el horror vacui, el miedo al espacio vacío. Klimt llena cada centímetro cuadrado. No hay puntos de descanso, no hay manchas de cielo liso ni un primer plano vacío. Cada superficie está trabajada, punteada, ornamentada. El resultado, paradójicamente, es la calma más que el ajetreo, porque nada compite por la jerarquía. Todo es igual de importante, así que tu mirada deja de buscar y simplemente reposa.

La decisión de dejar a las personas fuera de estos cuadros también es deliberada. No hay figura con la que identificarse, ni relato, ni anécdota. Algunos críticos han hablado de cierto panteísmo místico, la idea de que la propia naturaleza es el tema y lo divino se distribuye de manera uniforme en ella. Llámalo como quieras: el efecto en una pared es inusual. El cuadro no te pide nada.

El Árbol de la Vida y su conexión con los paisajes

La mayoría conoce a Klimt por El Árbol de la Vida, el panel central del Friso Stoclet que diseñó para una casa privada en Bruselas entre 1905 y 1911. Es el del oro y las espirales, con las ramas arremolinadas y la pareja abrazada a un lado. No se parece en nada a los hayedos y, sin embargo, está haciendo exactamente lo mismo.

El Árbol de la Vida es la declaración más explícita de Klimt sobre el proyecto filosófico que recorre toda su etapa paisajista: la naturaleza como fuerza continua, decorativa y generadora de patrones que conecta todo con todo. Las espirales no son mero adorno. Son el mismo impulso que produjo el punteado de hojas en Beech Forest, ampliado y vuelto simbólico.

Si lees los bosques junto a las láminas del Árbol de la Vida, empiezas a verlos como dos caras de la misma moneda. Los bosques son la versión observada. El Árbol de la Vida es la versión abstracta y simbólica. Ambos tratan sobre el crecimiento, la repetición, la continuidad y la negativa a separar figura y fondo. Esta es la respuesta para quien busque el significado de los bosques de Klimt. Las obras tratan el patrón como una forma de ver el mundo.

Por eso también estos paisajes se sienten modernos cuando convives con ellos. No son paisajes en el sentido romántico —una vista desde lo alto de una colina—. Son diagramas de cómo funciona realmente la naturaleza: densa, estratificada, rítmica e indiferente a la escala humana.

Por qué estos cuadros “silenciosos” de Klimt triunfan en interiores

El interiorismo ha redescubierto los paisajes de Klimt por razones que tienen poco que ver con la historia del arte. Tres tendencias, en particular, los están devolviendo a nuestros hogares.

La primera es el maximalismo biofílico, la apuesta por estancias llenas de plantas, texturas naturales e imágenes de la naturaleza a gran escala. Una gran lámina enmarcada de Birch Forest sobre el sofá hace algo que una planta de interior no puede: trae el ritmo de un bosque real a casa sin pedirte riego. Combínala con una pared en verde intenso y unas cuantas cerámicas bien escogidas, y la habitación se siente arropada por un sosiego boscoso.

La segunda es la superposición de patrones —a veces llamada tendencia grandmillennial o “abuela chic”—, donde flores, rayas y motivos decorativos se combinan de forma intencional. Los bosques de Klimt funcionan sorprendentemente bien aquí porque se leen antes como patrón que como imagen. Cuélgalo sobre una alfombra con dibujo o junto a un sillón estampado y mantendrán su presencia sin chocar.

La tercera es el rechazo, lento pero firme, de la estética desnuda y beige de “pared de galería”. Las estancias ganan en saturación, textura y personalidad. Un hayedo de Klimt en 70 x 100 cm ofrece una escala inmersiva que una pared blanca vacía no puede proporcionar. Creemos que la versión enmarcada funciona mejor aquí, porque el marco de madera maciza y el papel mate aportan el peso visual necesario para anclar una habitación más rica. El Lienzo también puede funcionar, especialmente en ambientes más ligeros y minimalistas donde quieres que el acabado con bordes espejados se funda con la pared.

Una nota práctica sobre el colgado. Estas obras se disfrutan de cerca. Se hicieron para mirarse a poca distancia, y la superficie densa y punteada solo se revela a uno o dos metros. Cuélgalas donde realmente os sentáis: sobre el sofá, frente a una butaca de lectura, al fondo de una mesa de comedor larga. Hay que convivir con ellas, no pasarlas por alto en un pasillo.

Si te atrae el ambiente pero no específicamente Klimt, la categoría más amplia de Láminas de naturaleza recorre un territorio similar con otros artistas y paletas.

Qué sacar de todo esto

Los bosques de Klimt no son una nota a pie de página de los retratos dorados. Es el mismo artista trabajando las mismas preguntas en un registro más silencioso, lejos de quienes pasaron tres años diciéndole que era indecente. Son cuadros sobre el patrón, la repetición y la renuncia a la jerarquía, hechos por alguien que necesitaba recordar que el arte puede ser privado antes que público.

Si vas a elegir uno para una habitación, busca una escala que permita a la superficie hacer su magia: a partir de 60 x 80 cm como mínimo, y mejor aún si es mayor. Cuélgalo cerca de donde pasas tiempo de verdad. Regálale una pared que no compita. El cuadro hará el resto, como lo lleva haciendo más de cien años en salones, bibliotecas y museos.