Klimt en el Attersee: los paisajes que cambiaron cómo vemos el arte de la naturaleza

La otra cara de Klimt: de los retratos dorados a los bosques verdes

La mayoría de la gente conoce a un solo Klimt: pan de oro, parejas abrazadas, ese póster de historia del arte que ha colgado en medio piso de estudiante desde los 80. Pero durante varios meses al año, entre 1900 y su muerte en 1918, Gustav Klimt dejaba el oro a un lado y pintaba árboles.

Realizó unas 50 obras de paisaje, aproximadamente una cuarta parte de su producción total, y apenas se parecen a lo que lo hizo famoso. Nada de alegorías. Nada de símbolos. Ninguna condesa por encargo mirando desde un mosaico dorado. Solo huertos, troncos de abedul, un estanque cubierto de nenúfares, la esquina de una granja vista entre el follaje denso del verano.

Estas son las pinturas de Klimt que debes conocer si estás cansado de las de siempre.

El lago Attersee y el paisaje austriaco que lo inspiró

Cada verano, Klimt dejaba Viena por el Salzkammergut, la región de lagos al este de Salzburgo, y en concreto por el lago Attersee. Iba con Emilie Flöge, su compañera de vida y la diseñadora que dirigía una célebre casa de moda vienesa. Remaban. Nadaban. Él vestía una amplia bata azul y zapatillas y poco más, por lo que los locales lo apodaron "Waldschrat", el duende del bosque.

No era unas vacaciones al uso. Era la Sommerfrische, una tradición austriaca por la que la burguesía urbana se instalaba en el campo durante meses, huyendo del calor y de las expectativas de la ciudad. Para Klimt, la Sommerfrische significaba algo muy concreto: sin encargos, sin mecenas, sin retratos de sociedad. Solo pintar lo que quisiera, como quisiera, todo el día.

Esa libertad se nota. Sus láminas de paisaje se sienten sueltas donde sus retratos parecen coreografiados. Es Klimt pintando para sí mismo, y por eso han envejecido tan bien. No llevan un público implícito dentro.

Las obras del Attersee, en particular, tienen una cualidad de atención pura. Un muro de granja. Una hilera de girasoles. El destello del agua visto desde una barca. Son el equivalente visual de una respiración profunda.

Cómo usaba Klimt un telescopio para componer sus paisajes

Este detalle hace que sus paisajes encajen de golpe cuando lo sabes: los componía a través de un telescopio.

O a veces con un visor recortado en una cartulina, sostenido a la distancia del brazo, encuadrando porciones del campo como si hiciera una fotografía. Se fijaba en una sección concreta del bosque o en una esquina del prado, y pintaba solo lo que quedaba dentro de ese rectángulo estrecho, recortando todo lo que había más allá.

Por eso sus paisajes se ven como se ven. La línea del horizonte a menudo ni aparece. El cielo apenas asoma. Estás mirando una pared de árboles, la superficie de un estanque o un tapiz de flores de pradera, sin un final claro del escenario. Todo se aplana. El ojo no tiene por dónde escapar, así que reduce el ritmo y lee la superficie.

La técnica estaba influida por la fotografía pictorialista, entonces de moda en Viena, y por los grabados japoneses en madera, que Klimt coleccionaba. Ambas tradiciones favorecían encuadres recortados y composiciones planas frente a la perspectiva profunda que la pintura occidental había perseguido desde el Renacimiento. En esto, los paisajes de Klimt son discretamente vanguardistas. Parecen decorativos y bonitos, pero por debajo están haciendo algo formalmente radical.

El formato cuadrado y lo que provoca en quien mira

Casi todos los paisajes de Klimt son cuadrados. No un rectángulo leve. Cuadrados de verdad: 110 x 110 centímetros, poco más o menos.

Los cuadros cuadrados eran raros en el arte europeo antes del siglo XX. El formato no tiene dirección incorporada: ni la vertical de un retrato ni la horizontal de un paisaje. Tu mirada no sabe por dónde empezar, así que tiende a arremolinarse hacia el centro y después a desplazarse en bucles por toda la superficie. El resultado es contemplativo. Miras un cuadro cuadrado durante más tiempo que uno rectangular. Se resiste a resolverse rápido.

Esto es, además, la razón por la que los paisajes de Klimt funcionan de maravilla en interiores contemporáneos. Los formatos cuadrados viven un gran momento en enmarcación y muros de galería actuales. Se sientan con elegancia sobre aparadores, consolas, camas y hasta bañeras, donde un formato vertical resultaría forzado y uno panorámico quedaría desparramado. Una sola lámina cuadrada de 70 x 70 cm puede anclar una pared sin dominarla.

Si estás montando un muro de galería, mezclar una lámina cuadrada entre rectángulos hace que el conjunto parezca pensado al detalle. Rompe la cuadrícula de forma útil.

Puntillismo, mosaicos y la textura de la naturaleza en Klimt

De cerca, los paisajes de Klimt no parecen paisajes. Parecen un trabajo de abalorios.

Pintaba a base de miles de puntitos, toques y pinceladas cortas, construyendo superficies casi del mismo modo en que construía los fondos de mosaico dorado de sus retratos. Un solo árbol puede estar hecho de cientos de toques separados de verde, ocre, violeta y rosa, todos yuxtapuestos en lugar de mezclados. Si te alejas, se resuelven en follaje. Si te acercas, se disuelven en puro patrón.

En parte le influyeron los puntillistas franceses, especialmente Seurat y Signac, cuyas obras Klimt vería en Viena. También Van Gogh, cuya pincelada densa y expresiva Klimt absorbió en su propio vocabulario de puntos y destellos. Se ve claramente en sus manzanos: comparten el calor y la densidad de los huertos de Van Gogh, pero con una contención más decorativa.

Esa cualidad de mosaico es lo que da al arte de naturaleza de Klimt una presencia tan especial en la pared. Premia la distancia y la cercanía. Desde el otro lado de la estancia, ves un paisaje. A un metro, ves un patrón abstracto. A treinta centímetros, parece bordado o una muestra textil.

Por eso, dicho sin rodeos, la calidad de reproducción importa tanto en los paisajes de Klimt. Las copias baratas aplanan toda esa textura en una superficie turbia. Quieres una lámina que conserve los puntos, las capas, los pequeños cambios de temperatura de color. Una giclée de calidad museística sobre papel mate y grueso preserva esa complejidad de superficie de un modo que los acabados brillantes no logran.

Por qué los paisajes de Klimt viven un gran momento en los interiores actuales

Varias corrientes de diseño están confluyendo, y los paisajes de Klimt se sientan justo en su intersección.

La primera es el diseño biofílico, la ya asentada idea de que los interiores se sienten mejor cuando aluden al mundo natural. Los paisajes de Klimt son naturaleza sin ser literales. No son fotos de bosques ni láminas botánicas genéricas. Son bosques filtrados por una inteligencia decorativa pura, de modo que aportan el efecto calmante de lo natural sin la ligera sensación plana que a veces tienen las ilustraciones botánicas.

La segunda es el lento abandono del minimalismo frío. Los interiores se vuelven más cálidos, por capas, ricos en textura. Verdes salvia, terracota, ocre, óxido, azul petróleo. Las paletas de los paisajes de Klimt encajan directamente con esto. Sus manzanos son, básicamente, una referencia perfecta de color para un interior cálido y actual.

La tercera es el apetito por un arte que se sienta personal y no obvio. El beso se ha impreso tanto en tazas y tote bags que se ha convertido en un atajo para decir “me gusta el arte, en general”. Un paisaje de Klimt señala otra cosa. Dice que conoces su otro lado, y que te interesa más. Es una elección más silenciosa y más segura.

En particular, las pinturas de árboles de Klimt se han convertido en la puerta de entrada. Bosque de abedules, Manzano, Hayedo. Son las obras que se traducen con más facilidad a espacios contemporáneos porque se leen a la vez como historia del arte y decoración moderna.

Nuestras láminas de paisajes de Klimt favoritas y dónde colgarlas

Aquí es donde ponerlas de verdad en tus paredes.

Bosque de abedules (1903)

Un muro de troncos pálidos y esbeltos que se elevan desde un suelo de bosque cubierto de hojas anaranjadas. La composición son casi solo líneas verticales con una alfombra horizontal de color cálido en la base.

Ésta pide un dormitorio minimalista, idealmente sobre una cama baja con ropa de cama de lino en crudo o gris pálido. El ritmo vertical de los troncos aporta una calma arquitectónica a la estancia. Una lámina enmarcada de 70 x 70 cm en un marco fino de roble natural es el acierto. La madera clara dialoga con los abedules sin competir.

Manzano I (1912)

Follaje denso, casi asfixiante, en verdes, amarillos y naranjas, con manzanas rojas salpicadas como joyas entre la copa. No hay cielo ni suelo: solo patrón.

Cuélgalo en un salón que pida más color y textura. Funciona especialmente bien sobre un sofá de terciopelo verde musgo o naranja quemado. El maximalismo del cuadro te da permiso para superponer con más valentía en el resto. Esta es una obra que agradece el formato grande. Un lienzo de 100 x 100 cm te envuelve de una forma que los tamaños pequeños no consiguen.

Parque del castillo de Kammer (1909)

Una vista a través de una celosía de árboles altos y oscuros hacia un destello de muro amarillo y césped. La composición es, esencialmente, un entramado vertical de troncos con pequeños parches luminosos que se cuelan.

Es una lámina para el comedor. Su profundidad contemplativa, esa forma de mirar entre los árboles para descubrir la arquitectura al fondo, recompensa la atención pausada que invitan las sobremesas. Combínala con un color de pared con carácter: verde bosque profundo o un estuco en tonos arcilla.

Jardín de granja con girasoles (1907)

Un estallido de flores de verano, con girasoles elevándose sobre un tapiz de zinnias, dalias y margaritas. El más alegre de sus paisajes.

Ponlo donde haga falta subir el ánimo: la cocina, un pasillo pequeño, el estudio. Funciona de maravilla en espacios con poca luz natural porque el propio cuadro irradia. Enmarcado en nogal cálido o madera negra, se lee como una elección deliberadamente histórica y no solo decorativa.

Hayedo I (1902)

El más abstracto. Altos troncos de haya que se desvanecen sobre un suelo otoñal brumoso de rosas y dorados, con poco detalle y mucho color atmosférico.

Es la opción para el baño o el dormitorio. En concreto, una habitación de luz suave donde busques más disolución que nitidez. El lienzo funciona especialmente bien aquí porque el acabado mate potencia la suavidad de la pintura, y además el lienzo es más agradecido en estancias con humedad variable.

Una nota sobre cómo mezclar estilos

Los paisajes de Klimt son inusualmente versátiles. Encajan felices en un salón bohemio lleno de textiles y plantas porque comparten lenguaje de patrón. Sientan de maravilla a los interiores escandinavos que han pasado del blanco puro a tonos tierra más cálidos. Son un ajuste natural para cualquier revival art nouveau/modernista porque de ahí vienen. Y aportan la dosis justa de decoración a espacios maximalistas sin caer en el abigarramiento.

Donde no terminan de funcionar es en el minimalismo industrial más duro. Su textura y su color piden un entorno que los acoja. Si tus paredes son de hormigón visto y tu sofá de acero, mejor busca en otro sitio.

Una última idea

El placer de las láminas de paisajes de Klimt es que no dejan de revelar cosas. El encuadre con telescopio. El formato cuadrado. Los miles de pequeñas pinceladas. La forma en que usa el color como antes usaba el oro. Nada de esto se ve a primera vista, lo que significa que el cuadro en tu pared sigue interesante durante años, en lugar de desvanecerse como decoración de fondo al mes.

Compra la obra que no puedes dejar de mirar. Cuélgala donde pasas tiempo de verdad. Y vuelve a verla bien, de cerca, a treinta centímetros. Ahí es donde vive Klimt.