Wie schilderde Klimt? Zijn beroemdste portretten uitgelegd

Gustav Klimt schilderde zo'n 200 werken in zijn leven, maar zijn portretten maakten hem onsterfelijk. Achter het bladgoud en de decoratieve krullen schuilen echte vrouwen: societyfiguren, modeontwerpers, negenjarige dochters van industriëlen, en één levensgezellin wier gezicht al dan niet opduikt in zijn beroemdste schilderij. Dit is wie ze waren, waarom ze ertoe deden, en welke werken het meeste zin hebben aan jouw muur.

Waarom Klimts portretten nog steeds zo modern aanvoelen

Zet een Klimt naast een traditioneel societyportret uit dezelfde periode en het verschil is meteen duidelijk. Waar zijn tijdgenoten vrouwen schilderden in geloofwaardige kamers met geloofwaardige meubels, loste Klimt de achtergrond op in patroon. Gezichten blijven fotorealistisch. Al het andere — de jurk, de stoel, de vloer — wordt ornament.

Die botsing tussen realisme en abstractie is waarom deze schilderijen meer dan een eeuw later nog steeds eigentijds ogen. Ze staan moeiteloos naast modernistisch meubilair, minimalistische interieurs en zelfs behoorlijk strakke hedendaagse kunst. Een Klimt voelt niet aan als een kostuumdrama. Het lijkt alsof een designer het vorige week maakte.

Een andere reden dat ze blijven hangen: Klimt schilderde vrouwen als subject, niet als object. Zijn modellen kijken je terug aan. Ze zijn krachtig, vaak op een ontregelende manier. Judith houdt een afgehakt hoofd vast en grijnst. Adele Bloch-Bauer staart met een uitdrukking ergens tussen verveling en uitdaging in. Die directheid is zeldzaam in vroege 20e-eeuwse portretkunst en is precies wat deze werken zo goed doet hangen.

Adele Bloch-Bauer: de vrouw achter 'De vrouw in goud'

Adele Bloch-Bauer was de enige persoon die Klimt tweemaal schilderde. Ze was 25 toen ze voor het eerst poseerde: de vrouw van de rijke Weense suikerindustrieel Ferdinand Bloch-Bauer, en een van de weinige vrouwen in hun kring die intellectuele salons organiseerde. Ze las filosofie. Ze rookte, tot ergernis van velen. Ze was, naar alle berichten, scherpzinnig, angstig en ongelukkig.

Klimt werkte vier jaar aan haar eerste portret, 'Portret van Adele Bloch-Bauer I' (1903–1907). Het resultaat is het schilderij dat de meesten nu kennen als 'De vrouw in goud': haar gezicht dat zweeft in een zee van bladgoud, Egyptische ogen verwerkt in de jurk, haar handen gevouwen in een wat onhandig gebaar dat blijkbaar typisch voor Adele was (ze was onzeker over een misvormde vinger).

Het verhaal eindigde niet met haar dood in 1925. De nazi's namen het schilderij in 1938 van haar familie in beslag. Decennialang hing het in het Belvedere in Wenen, behandeld als een Oostenrijkse nationale schat. In 2006, na een lange juridische strijd, kreeg haar nicht Maria Altmann het terug. Ze verkocht het voor $135 miljoen, destijds de hoogste prijs ooit voor een schilderij. Het hangt nu in de Neue Galerie in New York.

Het tweede portret, uit 1912, is stiller. Minder goud, meer kleur; Adele in een zachtere pose tegen een behangen, patroonrijke achtergrond. Als het eerste schilderij een icoon is, is het tweede menselijk. Beide zijn het kennen waard als je Klimts portretten verkent voordat je er een voor thuis kiest.

Judith, Danaë en de mythologische vrouwen die Klimt heruitvond

Hier raakt het in veel artikelen mis. Judith en Danaë waren geen echte vrouwen die voor Klimt poseerden. Het zijn figuren uit de bijbelse en Griekse mythologie, geschilderd als allegorieën en niet als opdrachten. Dat onderscheid is belangrijk, omdat deze werken anders functioneren — zowel als kunst als als decoratie.

'Judith met het hoofd van Holofernes' (1901) toont de heldin uit het Oude Testament die een vijandelijke generaal verleidde en onthoofdde om haar volk te redden. Klimts Judith is half ontkleed, met geloken ogen en licht geopende mond. Ze oogt postcoïtaal, niet zegevierend. In haar hand, bijna terloops, houdt ze het afgehakte hoofd. Het was schokkend in 1901 en is dat nog steeds. Wenen bestempelde haar destijds als 'Salome' omdat men niet overweg kon met een heldin die er zo uitzag.

'Danaë' (1907) neemt een Griekse mythe (Zeus bezoekt een prinses in de gedaante van gouden regen) en maakt er een van de meest erotische schilderijen van zijn tijd van. Danaë ligt opgerold in foetushouding, verloren in genot, terwijl gouden regen tussen haar dijen doorstroomt. Ondubbelzinnig en volkomen onbeschaamd.

Deze mythologische werken zijn doorgaans zinnelijker, dramatischer en decoratiever dan de societyportretten. Ze passen in ruimtes waar je energie wilt: een hal, een werkkamer, een slaapkamer. Wil je iets ingetogener, dan lezen de opdrachtportretten rustiger aan de muur.

De kus: is het wel echt een portret?

Technisch gezien niet. Officieel is 'De kus' (1907–1908) een allegorisch werk, geen portret van identificeerbare personen. Maar kunsthistorici vermoeden al lang dat de vrouw Emilie Flöge is, Klimts levensgezellin, en de man een gestileerd zelfportret.

Het pleit voor Emilie is sterk. Ze ontmoette Klimt toen zij 17 was en hij 29 (hij had toen een relatie met haar zus, die later stierf). De 27 jaar erna waren ze onafscheidelijk, al waarschijnlijk niet romantisch in de conventionele zin. Hij verwekte minstens 14 kinderen bij andere vrouwen. Zij runde een succesvol modehuis in Wenen waarvoor Klimt textiel hielp ontwerpen. Toen hij in 1918 een beroerte kreeg, zouden zijn eerste woorden zijn geweest: "Laat Emilie komen."

Ze duikt ook bij naam op in een ander werk: 'Portret van Emilie Flöge' (1902). Dat schilderij is minder beroemd, mede omdat Emilie het naar verluidt haatte. Ze vond dat de blauw-gouden patroonjurk niet op haar leek — terecht, het was vrijwel zeker een van haar eigen avant-gardistische ontwerpen die Klimt had omgevormd tot ornament.

Is 'De kus' dus een portret? In geest waarschijnlijk wel. In strikte kunsthistorische zin niet. Hoe dan ook blijft het de meest gereproduceerde afbeelding in de volledige Klimt-collectie, en met reden: het werkt op bijna elk formaat, in bijna elke kamer, ingelijst of op canvas.

Klimts minder bekende figuratieve werken die je wil ontdekken

Als je alleen Adele en De kus kent, mis je een aantal van zijn sterkste werken.

Fritza Riedler (1906)

Geschilderd in het jaar vóór Adele I: de vrouw van een Oostenrijkse ingenieur, gezeten voor een Egyptisch geïnspireerde aureool van patronen. Het gezicht is fotografisch. De jurk lost op in geometrie. Het is misschien wel de strakkere, zelfverzekerdere compositie van de twee.

Mäda Primavesi (1912)

Een portret op ware lengte van een negenjarig meisje, handen in de zij, dat je vanaf het doek aankijkt alsof zij de baas is. De familie Primavesi behoorde tot Klimts belangrijkste late opdrachtgevers. Mäda's houding is onvergetelijk: de meeste kinderportretten uit die tijd zijn braaf en zoet. Zij lijkt klaar om met je in discussie te gaan.

Serena Lederer (1899) en de familie Lederer

De Lederers waren Klimts trouwste verzamelaars en bezaten ruim een dozijn werken voordat de nazi's ze confisqueerden. Serena's portret is conventioneler dan het latere werk, maar toont Klimts overgang van academisch schilderen naar ornament.

De vernietigde faculteitsschilderijen

Klimts drie plafondschilderingen voor de Universiteit van Wenen ('Filosofie', 'Geneeskunde', 'Rechtspraak') werden destijds als pornografisch bestempeld en afgewezen. Ze werden opgeslagen in Schloss Immendorf en in 1945 door terugtrekkende SS-troepen verbrand. We hebben alleen zwart-witfoto's. Het is een van de grote verliezen van de moderne kunst en het vermelden waard, ook al kun je ze niet ophangen.

Hoe Klimts portretstijl elke regel van de traditionele portretkunst brak

Om te begrijpen waarom deze schilderijen eruitzien zoals ze doen, helpt het te weten wat Klimt afwees.

Traditionele portretkunst eiste geloofwaardige ruimte. De geportretteerde zat in een kamer. Er was een vloer, een muur, misschien een raam. Klimt schrapte dat allemaal. Zijn achtergronden zijn vlakke velden van patroon zonder diepte, zonder perspectief, zonder gevoel van plaats.

Traditionele portretkunst beeldde stof realistisch af. Zijde leek op zijde. Fluweel op fluweel. Klimt veranderde kleding in ornament. De jurk in Adele I is geen jurk, maar een mozaïek van symbolen. Je ziet amper waar het lichaam stopt en de decoratie begint.

Traditionele portretkunst gebruikte een ingetogen palet. Klimt gebruikte bladgoud. Echt goud en zilver, aangebracht op doek — een ongekende techniek buiten Byzantijnse religieuze iconen. Hij groeide op met het ambacht van zijn vader, een goudgraveur, en bezocht Ravenna in 1903 om vroegchristelijke mozaïeken te bestuderen. De glans in zijn "gouden fase" (grofweg 1899–1910) komt van echt metaal dat echt licht vangt.

Traditionele portretkunst vleide de geportretteerde. Klimt deed soms het tegenovergestelde. Hij schilderde Adele met haar nerveuze handgebaar. Hij schilderde Mäda confronterend. Hij schilderde Judith seksueel extatisch terwijl ze een afgehakt hoofd vasthoudt. Zijn modellen zijn echte mensen met echte karakters, niet geïdealiseerde societyvrouwen.

Dit regels breken is wat zijn werk actueel doet aanvoelen. Het heeft ook een praktisch gevolg voor je muur: Klimt-portretten hebben geen "passend" interieur nodig. Ze creëren hun eigen context. Je kunt er één in een minimalistische witte kamer hangen of in een maximalistische Victoriaanse salon en het werkt.

Het juiste Klimt-portret voor je huis kiezen

Een paar praktische afwegingen.

Formaat en goud

De goudrijke werken (Adele I, De kus, Judith, Danaë) komen beter tot hun recht op groot formaat. De glans die Klimt erin bouwde is deel van de essentie, en op klein formaat gaat die energie verloren. Alles onder 50x70 cm doet deze beelden tekort. Wil je een werk uit zijn gouden fase als blikvanger, ga dan minstens naar 70x100 cm ingelijst, of kies 100x150 cm op canvas voor echt effect.

De niet-gouden portretten (Fritza Riedler, Mäda Primavesi, de tweede Adele) werken goed op kleiner formaat omdat ze leunen op compositie en kleur in plaats van metallic glans. Een ingelijste 40x50 cm in een hal of boven een bureau is prachtig.

Ingelijst of oningelijst

Voor de werken uit de gouden fase raden we meestal ingelijste prints aan. De decoratieve dichtheid van deze beelden profiteert van de visuele begrenzing die een lijst geeft; anders weet het oog niet waar te stoppen. Een dunne zwarte of naturel eiken lijst werkt het best. Vermijd uitbundige goudkleurige lijsten; dat doet het schilderij zelf al.

Op canvas vertalen de mythologische werken (Judith, Danaë, De kus) sterk, omdat het formaat past bij dramatische beelden tot aan de rand. De gespiegelde randafwerking zorgt dat er niets wordt weggesneden — belangrijk, want Klimt componeerde tot helemaal aan de randen.

Per ruimte

In een slaapkamer: De kus, de tweede Adele of Danaë. Intiem, warm, meer gevoel dan statement.

In de woonkamer: Adele Bloch-Bauer I of Judith. Beide hebben présence en werken als gespreksonderwerp. Groot gekozen verankeren ze een ruimte zoals een open haard dat zou doen.

In een werkkamer of hal: Mäda Primavesi of Fritza Riedler. Kleiner, ingetogener; het soort beeld dat je langzaam ontdekt in plaats van van over de kamer.

Wil je eerst nog vergelijken met andere stijlen uit die tijd, dan zit de Art Nouveau-collectie in vergelijkbaar visueel terrein, en de bredere collectie met portretkunstprints laat zien hoe Klimt zich verhoudt tot ander figuratief werk.

Tot slot nog dit: de vrouwen in deze schilderijen waren echt, met echte levens, echte geldzorgen, echt verdriet, echte verveling van jarenlang poseren. Als je een Klimt-portret ophangt, hang je niet alleen decoratie op. Je hangt Adele op, die haar kinderen verloor en stierf op haar 43e. Of Mäda, die twee wereldoorlogen overleefde en tot 2000 leefde. Of Emilie, die Klimts brieven bewaarde tot de dag dat ze stierf. Dáárdoor wil je er elke ochtend naar kijken.