Klimts kvinnor avkodade: den dolda symboliken i hans mest ikoniska kvinnoporträtt

"Jag är mindre intresserad av mig själv som motiv för målning än av andra människor, framför allt kvinnor." Gustav Klimt sade detta mot slutet av sitt liv, och det är nyckeln till nästan allt han gjorde. Hans kvinnoporträtt är inte bara vackra. De är ett kodat system av mönster, poser, guld och gester som säger specifika saker om makt, sexualitet, dödlighet och modernitet.

Det här är en guide till hur du läser den koden, så att trycket på din vägg betyder något mer för dig än bara yta och dekoration.

Ornament som rustning: varför Klimt svepte in sina kvinnor i mönster

Titta på vilket som helst av Klimts mogna porträtt och du märker samma grepp. Ansikte och händer är målade med fotografisk realism. Allt annat kollapsar till platt, tät ornamentik. Trianglar, ägg, spiraler, ögon, gyllene rektanglar, virvlar av svart och silver. Kvinnan blir en ö av hud i ett hav av ornament.

Detta var inte en stilistisk krusidull. Klimt behandlade mönster som rustning. Klänningen draperar inte kroppen, den kapslar in den. Bakgrunden drar sig inte undan, den trycker framåt och absorberar henne. Du kan läsa det på två sätt samtidigt, vilket är precis poängen. Mönstret skyddar henne från betraktarens blick, och det visar samtidigt upp henne som en juvel i en infattning.

Själva formerna bär betydelse. Trianglar och ägg är uråldriga fruktbarhetssymboler. Spiraler antyder cykler, sexualitet, förnyelse. De mandelformer som är utspridda över Adele Bloch-Bauers klänning är medvetet erotiska, en visuell kod som samtida wienare kände igen. Klimt målade kroppen utan att måla kroppen.

Det finns också en andra effekt. Genom att lösa upp individuell identitet i arketypiskt mönster förvandlar Klimt specifika kvinnor till något som ligger närmare ikoner. Den verkliga Adele, den verkliga Judith, den verkliga Emilie Flöge finns kvar i ansiktena. Men de har också blivit något större.

Guldets symbolik i Klimts kvinnoporträtt

År 1903 reste Klimt till Ravenna och såg de bysantinska mosaikerna i San Vitale-basilikan. Kejsarinnan Theodora, förgylld och frontal, stirrande ut från en vägg av skimrande mosaik. Han kom hem och inledde det som konsthistoriker kallar hans Guldperiod, den fas som gav hans mest berömda kvinnoporträtt.

Guldet hos Klimt gör flera saker på en gång. Det är den heliga fonden i ikonmåleri, som lyfter hans motiv ur det vardagliga och in i något evigt. Det är rikedom, förstås, en signal till den wienerliga högborgerlighet som beställde verken. Och det är erotiskt, eftersom guld flimrar, fångar ljus och beter sig som hud i sken av ljus.

Det är också rustning igen. Bladguld är en hård, reflekterande yta. Det slår tillbaka betraktarens blick i stället för att låta den sjunka in. Kvinnan skyddas av en vägg av ljus.

Det radikala med Klimts guld är att han använde den visuella grammatiken från religiösa ikoner, traditionellt reserverad för Jungfru Maria eller helgon, till att skildra moderna judiska kvinnor ur Wiens progressiva intellektuella klass. Adele Bloch-Bauer var inget helgon. Hon var salongsvärdinna, socialistisk sympatisör och gift med en sockermagnat. Att sätta henne i guld var en stillsam provokation.

Ögon öppna, ögon slutna: vad Klimts kvinnor egentligen gör

När du väl börjar se det här går det inte att inte se det. Klimts kvinnor faller i två läger, och skillnaden spelar roll.

Kvinnor med öppna ögon tittar rakt på betraktaren. Adele Bloch-Bauer I. Judith I. Dessa kvinnor är vakna, medvetna, och de ser tillbaka. De har egen agens. De är inte objekt för kontemplation, de är subjekt med en egen blick, och de mäter upp dig lika mycket som du mäter upp dem.

Kvinnor med slutna ögon är vända inåt. Kyssen. Danaë. Vattenormarna. Dessa gestalter är insvepta i privata erfarenheter, oftast njutning, ibland sömn, ibland båda. De uppträder inte för betraktaren. De är någon helt annanstans, och det är vi som tränger oss på.

Denna uppdelning visar vad Klimt gjorde med den manliga blicken långt innan uttrycket fanns. Porträtten med öppna ögon ger kvinnor social och intellektuell makt. Målningarna med slutna ögon ger dem sensuell makt, den som inte behöver betraktarens godkännande för att existera. Inget av det är passivt. Båda var radikala år 1907.

När du väljer ett print är detta en av de mest användbara distinktionerna att tänka på. En Klimt med öppna ögon i ett rum konfronterar alla som kliver in. En Klimt med slutna ögon skapar en mer intim, nästan privat atmosfär. Du väljer väggens sociala temperatur.

Kvinnans tre åldrar: dödlighet, ömhet och förfall i en och samma ram

Målad 1905 är Kvinnans tre åldrar Klimt som mest filosofiskt rättfram. En ung mor vaggar ett sovande spädbarn. Bredvid dem står en gammal kvinna, kroppen utmärglad, ansiktet dolt i handen. Alla tre är nakna, alla tre är verkliga, alla tre målade med samma obevekliga uppmärksamhet.

Målningen vägrar den konsthistoriska standardfantasin om kvinnan som evig skönhet. Klimt insisterar på hela bågen. Födelse, höjdpunkt, nedgång. Den unga kvinnans hud är rosig och ljuvt lysande. Den gamlas är grå och slapp. Klimt förskönade henne inte. Han målade åderbråck och en uppsvälld mage. Publiken i Wien fann det outhärdligt, vilket delvis är poängen.

Mönstren runt gestalterna skiftar därefter. Mor och barn omges av ljusa, fruktbara cirklar och trianglar. Den gamla kvinnan står mot mörkare, mer dissonant ornament. Till och med den symboliska fonden åldras.

Om du dras till den här målningen dras du till något helt annat än guldperiodens porträtt. Det är ett memento mori i jugend-skrud, och det skapar ett helt annat rum. Det hör hemma någonstans eftertänksamt, som ett sovrum eller en läshörna, snarare än i en matsal där gäster ska känna sig välkomna.

Judith vs Adele: två helt olika former av kvinnlig makt

Detta är den mest användbara kontrasten i hela Klimts oeuvre, och den bör styra många köpbeslut.

Judith I (1901) visar den bibliska hjältinnan som förförde och halshögg den assyriske generalen Holofernes. Klimt målar henne topless, med guldkollier, ögonen halvslutna i efter-våldets extas, med generalens avhuggna huvud nästan bortputtat ur bild som en eftertanke. Hon är farlig, erotisk, triumferande. Detta är femininitet som rovinstinkt. Betraktaren är inte trygg.

Adele Bloch-Bauer I (1907), ibland kallad Kvinnan i guld, visar en annan sorts auktoritet. Adele var 26, briljant, flerspråkig, värd för Wiens ledande intellektuella och socialister. Klimt målar henne fullt påklädd i ett kaskadfall av gyllene och silverfärgade geometriska former, händerna knäppta framför kroppen i en medvetet obekväm gest som, enligt biografer, kan ha dolt ett vanställt finger. Hennes makt är intellektuell, social, samlad. Hon behöver inte hota dig. Hon står helt enkelt över dig i rang.

Detta är två arketyper av kvinnlig makt som Klimt återkommer till under hela karriären: krigaren och intellektet, kroppen och sinnet, förförerskan och salongsvärdinnan. Ingen är mer feministisk än den andra. De kompletterar varandra.

När du väljer mellan dem väljer du vilken energi du vill att ett rum ska bära. Judith är ett statement-piece för utrymmen som söker dramatik. Adele passar rum som vill ha gravitas utan konfrontation. Båda gör sig briljant i stort format, och du hittar båda i vår samling av Klimt-prints med kvinnomotiv, där gulddetaljerna verkligen vinner på ett större format som 70x100 cm.

Klimts kontrovers i kontext: varför Wien chockerades

För att förstå varför dessa symboler spelade roll måste du förstå hur illa Wien reagerade på dem.

År 1894 beställde Wiens universitet tre takmålningar av Klimt till sin stora sal, föreställande Filosofi, Medicin och Rättsvetenskap. Han levererade något ingen väntat sig. Intrasslade massor av nakna kroppar. Gravida kvinnor. Gamla män. Döden svävande i rymden. Kvinnlig sexualitet presenterad inte som allegori utan som rått faktum. Åttiosju fakultetsmedlemmar skrev under en petition som förkastade målningarna. En åklagare kallades in. Klimt anklagades för pornografi.

Han köpte tillbaka målningarna och tog aldrig mer ett offentligt uppdrag. Privat sade han: "Nog med censur. Jag vill härifrån."

Detta är bakgrunden till allt som följer. Guldporträtten, de slutna ögonens nakna, Kvinnans tre åldrar – allt skapades av en konstnär som just blivit offentligt förödmjukad för att han tog kvinnokroppen på allvar. Hans svar var inte att backa utan att gå längre, denna gång finansierad av progressiva privata mecenater, främst judiska wienerfamiljer som Bloch-Bauer, Lederer och Wittgenstein. Det var människor vars kvinnor redan bröt med viktorianska normer. Adele drev en salong. Klimts livskamrat Emilie Flöge drev ett couture-modehus som skapade lösa reformklänningar som befriade kvinnor från korsetter.

Klimts kvinnor ser ut som de gör därför att kvinnorna omkring honom aktivt uppfann på nytt vad en modern kvinna kunde vara. Symboliken är en protokollföring av den omdaningen.

Att välja ett Klimt-porträtt av en kvinna som betyder något för dig

Nu till det praktiska. Med en ram att tänka inom kan du göra ett skarpare val.

Om du vill ha intellektuell tyngd: Adele Bloch-Bauer I. Ögon öppna, fullt påklädd, geometrisk. Passar vackert i arbetsrum, hemmakontor, formella vardagsrum. Guldet läser som värme mot djupa kulörer som skogsgrönt, oxblod eller marinblått. Satsa gärna stort. Detaljerna i de geometriska panelerna belönar nära betraktande, vilket är en av anledningarna till att matt giclée-papper passar bättre än blanka alternativ.

Om du vill ha drama och nerv: Judith I eller Judith II. De hör hemma i utrymmen som redan har personlighet. En hall som behöver en entréscens. Ett mörkt vardagsrum. En barhörna. Undvik att para med annat som konkurrerar om uppmärksamheten.

Om du vill ha intimitet och sinnlighet: Kyssen, Danaë eller någon av de slutna ögonens nakna. Sovrum, dressing room, privata hörn. Kyssen är särskilt vida reproducerad, så storlek och kvalitet spelar verkligen roll. En liten, dåligt tryckt version är en kliché. Ett stort 70x100 cm inramat print på tjockt matt papper, där du faktiskt ser texturen i den reproducerade guldyta, är något helt annat.

Om du vill ha något filosofiskt: Kvinnans tre åldrar, Hopp II eller Död och liv. Dessa belönar långsamma rum. Läsplatser, sovrum, varhelst man sitter still.

Några praktiska notiser. Klimts guldtoner kan skära sig mot kalla grå och kritvita väggar. De sjunger mot varma neutrala toner, djupt mättade färger, naturligt trä och oputsat tegel. Om du ramar in, välj en tunn svart eller naturfärgad ekram som håller sig ur vägen. Prydligt ornamenterade guldramar tävlar med guldet i bilden och ser oftast plottriga ut.

Tryckkvaliteten spelar större roll hos Klimt än hos de flesta andra konstnärer eftersom så mycket av verken bygger på fin geometrisk detalj och på hur guldet skiftar över ytan. Billiga reproduktioner plattar till guldet till en enda gul och tappar de metalliska skiftena mellan varmt och kallt. Om du investerar i ett verk du ska leva med i åratal påverkar format, pappersvikt, rammens konstruktion och UV-skydd på glaset alltihop om printet fortfarande känns levande om fem år.

Du hittar hela spannet i vår Klimt-kollektion, och om du bygger en vägg kring ett bredare tema kan du para Klimt med andra verk från Art Nouveau (jugend) eller med klassiska porträttprints för en lagerlagd, salongsstilad hängning.

Poängen med att avkoda Klimt är inte att göra konst till ett pussel. Det är att veta vad du väljer. Välj den kvinna vars särskilda slags makt du vill leva sida vid sida med, häng henne i ögonhöjd och ge henne utrymme att andas.