Varför Klimt målade skogar: berättelsen bakom hans landskapsperiod

Wien-skandalerna som fick Klimt att längta ut på landet

År 1900 var Gustav Klimt Wiens mest omtalade målare, av skäl han inte själv hade valt. Han hade fått i uppdrag att måla tre takpaneler till Stora salen vid Wiens universitet, allegoriska verk med titlarna Filosofi, Medicin och Jurisprudens. När han visade dem mellan 1900 och 1903 skrev åttiosju professorer under en petition för att få dem borttagna. Kritiker kallade dem pornografiska. Kulturministeriet vägrade att visa dem.

För en konstnär som hade tillbringat sin tidiga karriär som dekoratör på beställning, med eleganta och respektabla inredningsuppdrag, var den offentliga uppläxningen en chock. Klimt betalade till slut tillbaka statens pengar, köpte tillbaka målningarna och tog aldrig mer ett offentligt uppdrag. Något i honom slöt sig. Något annat öppnades.

Det där något andra var skogen. Från omkring 1900 började Klimt tillbringa långa somrar vid sjön Attersee i österrikiska Salzkammergut, och där, långt från pressen och petitionerna, skapade han en grupp verk som få förknippar med hans namn. Om du bara känner till de gyllene porträtten kommer hans landskapsmålningar att se ut som arbeten av en helt annan konstnär. Det är de inte. Det är samma konstnär som andas ut.

Sjön Attersee: där skogsmålningarna tog form

Klimt tillbringade nästan varje sommar från 1900 till 1916 på Attersees västra strand, oftast med sin livslånga följeslagare Emilie Flöge. Rutinen var strikt och oglamorös. Han vaknade före sex, gick genom skogarna och ängarna runt sjön, rodde ut på vattnet och målade utomhus i en målarrock som ortsborna fann så lustig att de gav honom smeknamnet Waldschrat, skogsdemonen. Han gillade smeknamnet.

Dessa somrar var ingen sidoutflykt. Av ungefär 230 bevarade Klimt-målningar är omkring 55 landskap, nästan alla gjorda vid Attersee. Han målade dem i koncentrerade sjok under sommarmånaderna, återvände sedan till Wien på hösten och gick tillbaka till figurerna och guldet. Skogarna var hans privata övningsfält. De var också, i allt högre grad, hans mest experimentella arbete.

Relationen med Flöge spelade roll här. Hon drev ett framgångsrikt modehus i Wien och var den person som stod honom närmast i nästan trettio år. Somrarna vid Attersee var ett gemensamt liv, inte bara en arbetsretreat, och lugnet i dessa målningar har att göra med lugnet på platsen där de blev till.

Vad Klimt lånade från japanska träsnitt och pointillismen

Den gängse bilden av Klimts landskap är att de påverkades av impressionismen och pointillismen. Det är sant men också missvisande. Klimt var inte intresserad av det som Monet var intresserad av. Han brydde sig inte om att fånga flyktigt ljus, eller den optiska blandningen av komplementfärger, eller tid på dygnet. Han brydde sig om mönster.

Av de japanska träsnitten som sköljde in i Wien under sent 1800-tal tog han tre specifika saker. För det första den höga horisontlinjen eller den fullständiga elimineringen av himlen, som pressar allt fram mot bildplanet. För det andra behandlingen av duken som en dekorativ yta snarare än ett illusionistiskt fönster. För det tredje beredskapen att beskära en komposition oväntat, som om du råkat kliva rakt in i den.

Av pointillististerna lånade han den prickade, stöpplade markeringen, men han använde den som en textildesigner använder ett återkommande motiv. Titta nära på en Klimt-skogsbottens yta och du ser tusentals små färgberöringar ordnade mindre som flämtande ljus och mer som broderi. Hans tidigare karriär som dekorationskonstnär, med muraler och ornamentala program för ståtliga byggnader i Wien, lämnade honom aldrig. Den flyttade bara in i träden.

En närmare titt på Beech Forest I och Birch Forest

Beech Forest I (1902) är målningen som tillkännager vad han höll på med. Du står på en matta av orangebruna löv och ser in i en dunge av slanka, vertikala bokstammar. Det finns ingen himmel. Det finns ingen horisont i någon normal mening. Träden blir inte mindre när de går i fjärran. Kompositionen är nästan kvadratisk, något han föredrog genom hela landskapsperioden.

Effekten blir märkligare ju längre du tittar. Blicken kan inte riktigt slå sig till ro. De vertikala stammarna fungerar som ett slags takt, regelbunden och rytmisk, medan den spräckliga lövmattan och det fläckiga lövverket skapar en livlig, övergripande textur. Det finns ingen tydlig fokuspunkt. Målningen vägrar tala om för dig var du ska titta, vilket är precis varför den håller kvar din uppmärksamhet.

Birch Forest (1903) gör något liknande med vitbarkiga träd mot en rödbrun mark. När denna målning såldes på auktion 2022 gick den för över 104 miljoner dollar, mer än dubbelt så mycket som 2006 års pris. Samlare har hunnit ikapp med vad de här målningarna gör, vilket är något stillsammare och möjligen mer radikalt än vad de gyllene porträtten någonsin försökte.

Vill du se spannet i detta arbete samlat på ett ställe, så Klimts skogsmotiv som konsttryck samlar periodens nyckelmålningar.

Varför Klimt plattade till perspektivet och vad det gör med betraktaren

Klimt använde två verktyg för att uppnå den märkliga närheten i sina skogsmålningar. Det första var ett teleskop, som han använde för att titta på avlägsna träd och visuellt komprimera dem till en enda plan. Det andra var en teaterkikare eller sökare, som han använde som en kamera, för att rama in ett utsnitt av världen och ignorera allt utanför rektangeln.

Båda verktygen kollapsar djupet. När du tittar genom ett teleskop på en avlägsen björk plattas förgrund och bakgrund samman till ett enda grunt rum. Klimt målade sedan det han såg genom linsen, vilket är varför hans skogar känns som gobelänger snarare än vyer. Du tittar inte in i målningen. Du tittar på den.

Detta hänger samman med ett begrepp konsthistoriker ibland använder om hans arbete: horror vacui, rädslan för tomrum. Klimt fyller varje kvadratcentimeter. Det finns inga vilopunkter, inga partier av ren himmel eller tom förgrund. Varje yta är bearbetad, prickad, mönstrad. Resultatet är, paradoxalt nog, lugn snarare än stök, för ingenting tävlar om hierarki. Allt är lika viktigt, så blicken slutar söka och lägger sig till ro.

Beslutet att lämna människor utanför dessa målningar är också medvetet. Det finns ingen figur att identifiera sig med, ingen berättelse, ingen anekdot. Vissa kritiker har kallat detta en sorts mystisk panteism, känslan av att naturen själv är motivet och att det gudomliga är jämnt fördelat i den. Vad du än kallar det, är effekten på en vägg ovanlig. Målningen begär ingenting av dig.

Livets träd och hur det hänger ihop med landskapen

De flesta möter Klimt genom Livets träd, den centrala panelen i Stocletfrisen som han utformade för ett privat hus i Bryssel mellan 1905 och 1911. Det är den gyllene, spiralprydda, med de virvlande grenarna och det omfamnande paret vid sidan. Den ser inte ut som bokskogarna, och ändå gör den exakt samma sak.

Livets träd är Klimts mest explicita uttalande av det filosofiska projekt som löper genom hela landskapsperioden: naturen som en kontinuerlig, dekorativ, mönsterskapande kraft som kopplar allt till allt annat. Spiralerna är inte bara ornament. De är samma impuls som gav upphov till den stöpplade lövmattan i Beech Forest, uppförstorad och gjord symbolisk.

Läser du skogsmålningarna tillsammans med verken med Livets träd börjar du se dem som två sidor av samma mynt. Skogarna är den observerade versionen. Livets träd är den abstraherade, symboliska versionen. Båda handlar om tillväxt, upprepning, kontinuitet och vägran att skilja figur från grund. Detta är svaret för alla som söker efter klimt forest artwork meaning. Målningarna handlar om mönster som världsåskådning.

Det är också därför skogsmålningarna känns moderna när du lever med dem. De är inte landskap i romantisk, utsikts-från-en-kulle-mening. De är diagram över hur naturen faktiskt fungerar: tät, lagrad, rytmisk och likgiltig inför mänsklig skala.

Varför dessa 'stilla' Klimt-målningar är i ropet i inredning just nu

Inredningsvärlden har kommit ikapp Klimts landskap av skäl som har väldigt lite med konsthistoria att göra. Tre trender i synnerhet för tillbaka dem in i hemmen.

Den första är biophilisk maximalism, rörelsen mot rum lagerlagda med växter, naturliga texturer och naturbaserade motiv i stor skala. Ett stort inramat tryck av Birch Forest ovanför en soffa gör något som en krukväxt inte kan. Det tar in rytmen från en verklig skog inomhus utan att be dig vattna den. Para det med en djupgrön vägg och några väl valda keramiska föremål så känns rummet inneslutet på ett lugnt, skogslikt sätt.

Den andra är lager-på-lager av mönster, ibland kallad grandmillennial-trenden, där blommor, ränder och dekorativa motiv staplas med avsikt. Klimts skogar fungerar förvånansvärt bra här eftersom de läses som mönster först och bild sedan. Häng en ovanför en mönstrad matta eller intill en mönstrad fåtölj så hävdar de sig utan att skära sig.

Den tredje är den långsamma men stadiga uppgörelsen med den nakna, beiga galleriväggsestetiken. Rummen blir mer mättade, mer texturerade, mer personliga. En Klimt-bokskog i 70x100 cm har den typ av uppslukande skala som tomma vita väggar inte kan erbjuda. Vi tycker att den inramade versionen fungerar bäst här, eftersom den massiva träramen och det matta pappret ger trycket den visuella tyngd det behöver för att förankra ett livligare rum. Canvas kan också fungera, särskilt i en ljusare, mer minimalistisk miljö där du vill att den speglade kantlindningen ska försvinna in i väggen.

Ett praktiskt tips om upphängning. Dessa målningar belönar närhet. De är gjorda för att ses nära, och den täta, prickiga ytan avslöjar sig först inom en till två meter. Häng dem där människor faktiskt sitter, inte i en korridor man bara passerar. Ovanför en soffa, mittemot en läsfåtölj, i änden av ett långt matbord. De behöver levas med, inte snegla på.

Om du dras till stämningen men inte specifikt till Klimt, täcker den bredare kategorin naturmotiv som konsttryck liknande marker med andra konstnärer och paletter.

Vad man kan ta med sig

Klimts skogar är ingen fotnot till de gyllene porträtten. Det är samma konstnär som arbetar med samma frågor i ett stillare tonläge, bortom människorna som i tre år hade sagt åt honom att han var opassande. Det är målningar om mönster, upprepning och vägran till hierarki, gjorda av någon som behövde minnas att konsten kunde vara privat innan den var offentlig.

Väljer du en till ett rum, leta efter en skala som låter ytan göra sitt, runt 60x80 cm som minimum och helst större. Häng den nära där du faktiskt tillbringar tid. Ge den en vägg som inte tävlar om uppmärksamheten. Resten sköter målningen, på samma sätt som den har gjort det i vardagsrum, bibliotek och museer i över hundra år.